Teoría del color en la pintura abstracta: cómo componer una paleta que funcione

«¿Cómo eliges tus colores?» Es la pregunta que más se repite, justo después de la del precio, en mis exposiciones. Al contrario de lo que se suele pensar, una paleta que funciona no depende del azar ni de un simple flechazo: obedece a principios de contraste y armonía que tienen casi dos siglos de historia, y que la abstracción geométrica pone más en evidencia que la pintura figurativa, donde el tema suele desviar la mirada del color en sí. Formada en Buenos Aires y São Paulo antes de instalarme en el Tarn, comparto aquí las bases de la teoría del color tal como la aplico, lienzo tras lienzo, en mi propio taller.

¿Qué es la teoría del color, y por qué importa tanto en la pintura abstracta geométrica?

La teoría del color reúne los principios que explican cómo interactúan los colores entre sí: qué tonos se refuerzan mutuamente, cuáles se anulan, cuáles crean sensación de profundidad o de movimiento. En una pintura figurativa, estos mecanismos suelen quedar en segundo plano, ocultos por el tema representado. En una composición abstracta geométrica, donde ninguna escena distrae la mirada, el color se convierte literalmente en el tema: es él quien construye el equilibrio del lienzo, igual que la línea o la forma. Entender estos principios no reduce en nada la espontaneidad del gesto — al contrario, da las herramientas para dominarla.

El contraste de los complementarios: una ley con casi dos siglos

Al químico francés Michel-Eugène Chevreul le debemos, en la primera mitad del siglo XIX, la formulación de la ley del contraste simultáneo de los colores: dos tonos complementarios —es decir, opuestos en el círculo cromático, como el azul y el naranja, o el violeta y el amarillo— parecen ambos más vivos cuando se colocan uno junto al otro que cuando se ven por separado. Un siglo después, el pintor suizo Johannes Itten, que enseñaba color en la Bauhaus, sistematizó esta intuición en un método completo, todavía enseñado hoy en la mayoría de las escuelas de arte. Ese mismo principio estructura buena parte de la abstracción geométrica contemporánea: el contraste de complementarios crea una tensión visual que el ojo no se cansa de recorrer.

Cinco principios para componer una paleta de pintura abstracta que se sostenga

Estas son las claves que aplico yo misma antes de dar la primera pincelada sobre un lienzo:

• —Elegir un color dominante y construir la composición a su alrededor, en lugar de alinear varios tonos con el mismo peso visual
• —Apoyarse en un par de complementarios —azul y naranja, violeta y amarillo, rojo y verde— para lograr un contraste máximo sin perder el equilibrio del lienzo
• —Reservar el color más saturado para una superficie reducida: un área demasiado generosa del tono más vivo aplasta el resto de la composición en lugar de estructurarla
• —Dejar respirar una paleta viva con una zona más neutra —blanco, gris o negro— que sirva de pausa para la mirada entre dos zonas de color intenso
• —Probar la paleta a pequeña escala antes de pintar el formato definitivo: una armonía que funciona en un boceto de diez centímetros no siempre se sostiene en un lienzo de gran tamaño

Colores cálidos, colores fríos: componer con la temperatura y no solo con el tono

Más allá del círculo cromático, cada color tiene una temperatura percibida: el rojo, el naranja y el amarillo se consideran cálidos, parecen avanzar hacia la mirada y ocupar espacio; el azul, el verde y el violeta se consideran fríos, parecen retroceder y abrir profundidad. Una composición geométrica que alterna superficies cálidas y frías genera movimiento y ritmo incluso sin una sola línea curva ni un gesto expresivo — es el color, por sí solo, el que hace avanzar y retroceder los planos entre ellos.

Un color nunca existe solo en un lienzo: solo es realmente él mismo en contacto con su vecino.

Mi paleta: una herencia latinoamericana, calculada en mi taller del Tarn

Mi propia paleta hereda directamente la tradición concreta y neoconcreta en la que me formé entre Buenos Aires y São Paulo: colores saturados y asumidos, en lugar de una paleta contenida. Polarité Opposée debe su título precisamente a este principio de contraste de complementarios, llevado hasta su punto más tenso. En Reflets de Joie o Synthèse d'Or, es un color dominante —cálido y dorado— el que estructura el lienzo, puntuado con acentos más fríos para evitar la monotonía. Y en Blanc Immaculé, donde el color casi desaparece por completo en favor de una gama de blancos y cremas trabajada con espátula, es la propia teoría del color la que, por su ausencia casi total, deja todo el protagonismo a la materia y al relieve. Puedes ver estos tres enfoques uno junto al otro en la Colección completa, y descubrir en qué próximas exposiciones, en Francia, España o Andorra, ver estos contrastes en condiciones reales en la página de Noticias.