Pintura abstracta o figurativa: cómo distinguir los estilos (y entender el monocromo)

«¿Es abstracto, o hay una cara que se adivina?» Me hacen alguna versión de esta pregunta casi en cada exposición, frente a algún lienzo donde un perfil parece dibujarse en la materia sin llegar nunca a fijarse en retrato. Abstracto, figurativo, semifigurativo, monocromo: son palabras que se repiten constantemente en el vocabulario del arte, pero que a menudo se confunden, o se oponen de forma demasiado simple. Como pintora que trabaja en los tres registros desde mi taller en el Tarn, te propongo aquí algunas claves para distinguir estos estilos — y entender por qué no se excluyen entre sí.

¿Qué diferencia una pintura abstracta de una pintura figurativa?

La pintura figurativa representa un sujeto reconocible — un rostro, un paisaje, un objeto — aunque el estilo se aleje del realismo fotográfico: un retrato cubista sigue siendo figurativo mientras se pueda leer en él un rostro. La pintura abstracta, en cambio, no busca representar el mundo visible: construye su sujeto a partir de la forma, el color, la línea y la materia, sin ningún referente exterior que nombrar. Entre ambas se extiende un territorio amplio donde las dos lógicas se cruzan — y ahí arraiga buena parte del arte contemporáneo, incluida una parte de mi propio trabajo.

¿Qué es la pintura semifigurativa?

La pintura semifigurativa sugiere un sujeto sin describirlo por completo: una silueta esbozada, una mirada que emerge de la composición, una postura reconocible en medio de un amasijo de formas. Esa tensión entre lectura y pérdida del sujeto recorre buena parte de la historia del arte del siglo XX, desde el cubismo, que fragmenta el rostro sin llegar a borrarlo, hasta el expresionismo, que deforma la figura para intensificar su emoción. Es también el territorio donde sitúo lienzos como Armure d'Enfant o Double Visage: una figura humana se intuye en ellos, pero nunca del todo, dejando a quien mira la libertad de reconstruirla a su manera.

El monocromo: una pintura casi sin color, pero nunca sin sujeto

El monocromo reduce deliberadamente la paleta a un solo color, o a variaciones muy próximas de un mismo tono. Suele asociarse a la abstracción — y de hecho es el caso más frecuente — pero nada impide que un monocromo siga siendo figurativo si a pesar de todo se dibuja en él una forma reconocible. Sin contraste cromático que guíe la mirada, es la propia materia la que se convierte en sujeto: el espesor de la pintura, el grano que deja la espátula, los relieves y huecos que capturan la luz de forma distinta según la hora del día. Mi lienzo Blanc Immaculé, trabajado enteramente con espátula en una gama de blancos y cremas, funciona así: sin color que cuente una historia, es la textura la que toma el relevo.

Cinco claves para reconocer el estilo de un lienzo de un vistazo

• —Un sujeto identificable a primera vista (rostro, cuerpo, paisaje) señala una pintura figurativa, aunque esté estilizada
• —Una forma reconocible que se escapa en cuanto te acercas suele indicar una composición semifigurativa
• —Una paleta reducida a un solo tono, sin referencia cromática, indica un trabajo monocromo — abstracto o no
• —Una materia espesa, trabajada con espátula más que con pincel, desplaza la atención del color hacia el relieve y la luz
• —Un título literal (un lugar, un rostro con nombre) suele acompañar lo figurativo; un título evocador o abstracto (una emoción, un concepto) suele acompañar la abstracción

Nunca elijo un estilo antes de empezar un lienzo: es la materia, al secarse, la que decide si un rostro debe aparecer o desvanecerse.

Mi taller: por qué pinto en los tres registros — abstracto, monocromo y figurativo

Mi trabajo suele presentarse como una abstracción geométrica y colorida, heredada de mi formación entre Buenos Aires y São Paulo — y es cierto para buena parte de mis lienzos. Pero la Colección completa, filtrable por categoría, también revela una vertiente más figurativa de mi trabajo: rostros que se intuyen en La Fiancée, Regard o Silhouette Rouge, una armadura infantil suspendida entre retrato y símbolo en Armure d'Enfant, o la contención casi monocroma de Blanc Immaculé y Brume. No entiendo estos registros como direcciones que compiten entre sí, sino como herramientas distintas al servicio de una misma exigencia: buscar, lienzo tras lienzo, el equilibrio más justo entre materia, color y emoción. Puedes explorar estas tres familias de obras — coloridas, monocromas y figurativas — en la Colección completa, y consultar las exposiciones en Francia, España y Andorra donde se han mostrado varias de ellas en la página de Noticias.